探寻闽南风情！非遗里的中国走进福建厦门
【千问解读】
福建厦门拥有中国最文艺的海岸，一边是摩登璀璨的现代都市，一边是千年闽南的文化脉动。
海风絮语，古今交融，造就了厦门非遗的独特魅力。
厦门共有国家级非物质文化遗产代表性项目15项、省级非物质文化遗产代表性项目47项、市级非物质文化遗产代表性项目48项，其中有2项列入联合国教科文组织人类非物质文化遗产代表作名录。
00:30
由中央广播电视总台与文化和旅游部联合摄制的大型文化节目《非遗里的中国》厦门篇将于10月4日20:00档在总台央视综合频道（CCTV-1）播出，央视频全网独家首播。
本期节目将走进福建厦门，总台主持人王嘉宁，中国文物学会专家委员会主任、故宫博物院学术委员会主任单霁翔，以及演员贾静雯，将沉浸式体验童谣（闽南童谣）、厦门漆线雕技艺、南音、高甲戏、厦门珠绣、剪瓷雕等多项厦门非遗的独特魅力。
童谣（闽南童谣）
童谣（闽南童谣）是闽南民间口头文学的重要组成部分，以闽南话创作，内容广泛，多描绘儿童的生活趣事与乡村风土人情，生动展现了闽南地区的日常风貌，可以说是闽南人民的生活小百科。
闽南话音节丰富，多达2400余个，学习难度高。
童谣（闽南童谣）作为启蒙工具，让孩子们在歌声中自然习得母语。
如今，在厦门市多所幼儿园和小学课堂上，闽南童谣福建省级代表性传承人周长楫创作的《闽南童谣500首》被广泛使用。
近年来，闽南童谣不断焕发新生机。
节目中孩子们的表演，正是基于闽南童谣《天乌乌》创意改编而成。
这首在海峡两岸都广为传唱的童谣，如今以创新的形式再度响起，不仅延续了乡音的温度，也让两岸听众在熟悉的旋律中找到共通的文化记忆与情感归属。
高甲戏
高甲戏早期又称“戈甲戏”，传说因“搭高台，穿盔甲”而得名。
其孕育自明末清初农村化妆游行的“宋江阵”，后博采其他艺术门类的表演形式之长形成高甲戏的雏形。
最初的“戈甲”正是“高甲”在闽南话里的谐音，故称“高甲戏”。
高甲戏吸收其他剧种（如梨园戏、木偶戏、徽剧、昆腔、弋阳腔和京剧）的艺术特色，最终形成具有独特风格的闽南地方戏曲剧种。
中国戏曲素有“无丑不成戏”之说，而高甲戏将“丑”这一行当发展到了极致。
高甲戏中的丑角以扇子、胡子等道具展现灵动的肢体动作和丰富的表情变化，甚至模仿木偶的步态和动作，呈现出独特的提线木偶风格。
高甲戏传承既靠资深传承人的守护，也依靠新生代的热情投入。
在厦门，各级学校设有高甲戏传习基地，孩子们从幼儿园到中学逐步接触学习。
在代际传承中，高甲戏不断延续其独有的文化特质，让闽南地方戏曲光芒闪耀。
厦门漆线雕技艺
厦门漆线雕技艺源远流长，已有三百多年历史。
厦门漆线雕技艺第十二代传承人蔡水况先生，将福州脱胎漆器髹饰技艺的脱胎工艺引入厦门漆线雕，使其坯体更轻、保存时间更长，同时提升了造型的可能性。
这项精致的传统技艺，承载了代代传人的智慧和审美，成为厦门非遗的重要代表。
漆线雕的核心在于漆线装饰，其制作工序繁复，包括坯体制作、漆线搓制、缠绕和固定等环节。
传承人通过捶泥、搓线、绘稿等步骤，将漆线细腻均匀地铺展在载体上，形成丰富的层次和立体感。
以作品《神武大元帅》为例，它融合了米筛甲、鱼鳞甲、六脚甲等多种技法，呈现汉唐武将的雄浑风格。
在坚守传统技艺的基础上，厦门漆线雕不断创新。
现代漆线雕不仅延伸到人物雕塑、彩蛋、文创产品和饰品上，还引入三维建模与3D打印技术，提高坯体制作效率，并赋予作品更多立体和飘逸的表现力。
传统与创新相辅相成，使这门非遗技艺不仅得以传承，更向世界展示出中华工艺美术的独特魅力。
厦门特色非遗美食
厦门特色非遗美食以海产品为原料，反映了厦门人民“依海而生、靠海吃海”的生活方式。
闽南土笋冻、厦门贡鱿鱼、澳头蠔干粥……这些美食在厦门世代相传，有的还在台湾广受喜爱，承载着跨越海峡的共同记忆。
“山里有冬虫，海里有星虫”，闽南土笋冻以独特食材著称，口感鲜嫩清爽。
相传郑成功带兵打仗时，士兵因粮草短缺，到海边挖取海鲜煮汤充饥，未食完的汤水遇冷凝结成冻，土笋冻由此流传至今。
厦门贡鱿鱼的制作注重厚薄、敲打角度和纤维延展，每一步都体现匠心，同时展现慢生活的理念。
澳头蠔干粥则以熬制精湛的汤底为核心，结合蠔干、老蛏、鱼肉等配料，将古早味与现代口味完美融合。
从土笋冻的独特食材，到贡鱿鱼的慢生活哲学，再到蠔干粥丰富的配料与口感，厦门特色非遗美食让人们在品味鲜美海味的同时，感受到厦门的文化厚度和两岸的历史纽带，也彰显了厦门在现代化发展中对中华优秀传统文化的坚守与开放传承。
厦门珠绣
厦门珠绣是厦门一张闪亮的城市文化名片。
厦门珠绣的起源，要追溯到20世纪20年代。
当时，南洋华侨带回了缀有玻璃珠的绣花拖鞋，厦门的手艺人受此启发，开始尝试用进口珠料在鞋面上绣制花鸟图案，这才开创了独具特色的厦门珠绣工艺。
厦门珠绣制作过程分为七步：设计画稿、合布、剪裁、图案转印、绷布、材料准备、图案绣制。
其最大特色在于立体感与光泽，借助凸绣、叠片绣等技法，使图案层层叠加呈浅浮雕效果，珠子和叠片在光线下的折射与反射，令作品晶莹华丽、光彩夺目。
就在不久前，传承人谢丽瑜受《非遗里的中国》节目特邀，携《盛世雍容·牡丹瓶》等珠绣作品亮相中意建交55周年艺术特展，其精湛的针法和光影效果呈现，向世界展示了中华优秀传统文化的独特魅力。
早先，厦门珠绣多用于珠绣拖鞋，在闽南地区尤其用于出嫁的新娘鞋，是独一无二的婚礼用品。
现代厦门珠绣则在载体和工艺上不断创新，不仅延伸到高定礼服、披肩、珠绣包、文创产品等软装与时尚领域，还出现在耳环、饰品等小型单品上。
通过将传统平面的图案转化为立体、可实用的时尚物件，厦门珠绣焕发出更蓬勃的生命力。
10月4日20:00档
总台央视综合频道（CCTV-1）
让我们和《非遗里的中国》一起走进厦门
感受闽南风情
聆听海韵智慧！
（本文来源：央视一套。
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对文章事实有疑问，请与有关方核实或与本网联系。
文章观点非本网观点，仅供读者参考。
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福建厦门拥有中国最文艺的海岸，一边是摩登璀璨的现代都市，一边是千年闽南的文化脉动。
海风絮语，古今交融，造就了厦门非遗的独特魅力。
厦门共有国家级非物质文化遗产代表性项目15项、省级非物质文化遗产代表性项目47项、市级非物质文化遗产代表性项目48项，其中有2项列入联合国教科文组织人类非物质文化遗产代表作名录。
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由中央广播电视总台与文化和旅游部联合摄制的大型文化节目《非遗里的中国》厦门篇将于10月4日20:00档在总台央视综合频道（CCTV-1）播出，央视频全网独家首播。
本期节目将走进福建厦门，总台主持人王嘉宁，中国文物学会专家委员会主任、故宫博物院学术委员会主任单霁翔，以及演员贾静雯，将沉浸式体验童谣（闽南童谣）、厦门漆线雕技艺、南音、高甲戏、厦门珠绣、剪瓷雕等多项厦门非遗的独特魅力。
童谣（闽南童谣）
童谣（闽南童谣）是闽南民间口头文学的重要组成部分，以闽南话创作，内容广泛，多描绘儿童的生活趣事与乡村风土人情，生动展现了闽南地区的日常风貌，可以说是闽南人民的生活小百科。
闽南话音节丰富，多达2400余个，学习难度高。
童谣（闽南童谣）作为启蒙工具，让孩子们在歌声中自然习得母语。
如今，在厦门市多所幼儿园和小学课堂上，闽南童谣福建省级代表性传承人周长楫创作的《闽南童谣500首》被广泛使用。
近年来，闽南童谣不断焕发新生机。
节目中孩子们的表演，正是基于闽南童谣《天乌乌》创意改编而成。
这首在海峡两岸都广为传唱的童谣，如今以创新的形式再度响起，不仅延续了乡音的温度，也让两岸听众在熟悉的旋律中找到共通的文化记忆与情感归属。
高甲戏
高甲戏早期又称“戈甲戏”，传说因“搭高台，穿盔甲”而得名。
其孕育自明末清初农村化妆游行的“宋江阵”，后博采其他艺术门类的表演形式之长形成高甲戏的雏形。
最初的“戈甲”正是“高甲”在闽南话里的谐音，故称“高甲戏”。
高甲戏吸收其他剧种（如梨园戏、木偶戏、徽剧、昆腔、弋阳腔和京剧）的艺术特色，最终形成具有独特风格的闽南地方戏曲剧种。
中国戏曲素有“无丑不成戏”之说，而高甲戏将“丑”这一行当发展到了极致。
高甲戏中的丑角以扇子、胡子等道具展现灵动的肢体动作和丰富的表情变化，甚至模仿木偶的步态和动作，呈现出独特的提线木偶风格。
高甲戏传承既靠资深传承人的守护，也依靠新生代的热情投入。
在厦门，各级学校设有高甲戏传习基地，孩子们从幼儿园到中学逐步接触学习。
在代际传承中，高甲戏不断延续其独有的文化特质，让闽南地方戏曲光芒闪耀。
厦门漆线雕技艺
厦门漆线雕技艺源远流长，已有三百多年历史。
厦门漆线雕技艺第十二代传承人蔡水况先生，将福州脱胎漆器髹饰技艺的脱胎工艺引入厦门漆线雕，使其坯体更轻、保存时间更长，同时提升了造型的可能性。
这项精致的传统技艺，承载了代代传人的智慧和审美，成为厦门非遗的重要代表。
漆线雕的核心在于漆线装饰，其制作工序繁复，包括坯体制作、漆线搓制、缠绕和固定等环节。
传承人通过捶泥、搓线、绘稿等步骤，将漆线细腻均匀地铺展在载体上，形成丰富的层次和立体感。
以作品《神武大元帅》为例，它融合了米筛甲、鱼鳞甲、六脚甲等多种技法，呈现汉唐武将的雄浑风格。
在坚守传统技艺的基础上，厦门漆线雕不断创新。
现代漆线雕不仅延伸到人物雕塑、彩蛋、文创产品和饰品上，还引入三维建模与3D打印技术，提高坯体制作效率，并赋予作品更多立体和飘逸的表现力。
传统与创新相辅相成，使这门非遗技艺不仅得以传承，更向世界展示出中华工艺美术的独特魅力。
厦门特色非遗美食
厦门特色非遗美食以海产品为原料，反映了厦门人民“依海而生、靠海吃海”的生活方式。
闽南土笋冻、厦门贡鱿鱼、澳头蠔干粥……这些美食在厦门世代相传，有的还在台湾广受喜爱，承载着跨越海峡的共同记忆。
“山里有冬虫，海里有星虫”，闽南土笋冻以独特食材著称，口感鲜嫩清爽。
相传郑成功带兵打仗时，士兵因粮草短缺，到海边挖取海鲜煮汤充饥，未食完的汤水遇冷凝结成冻，土笋冻由此流传至今。
厦门贡鱿鱼的制作注重厚薄、敲打角度和纤维延展，每一步都体现匠心，同时展现慢生活的理念。
澳头蠔干粥则以熬制精湛的汤底为核心，结合蠔干、老蛏、鱼肉等配料，将古早味与现代口味完美融合。
从土笋冻的独特食材，到贡鱿鱼的慢生活哲学，再到蠔干粥丰富的配料与口感，厦门特色非遗美食让人们在品味鲜美海味的同时，感受到厦门的文化厚度和两岸的历史纽带，也彰显了厦门在现代化发展中对中华优秀传统文化的坚守与开放传承。
厦门珠绣
厦门珠绣是厦门一张闪亮的城市文化名片。
厦门珠绣的起源，要追溯到20世纪20年代。
当时，南洋华侨带回了缀有玻璃珠的绣花拖鞋，厦门的手艺人受此启发，开始尝试用进口珠料在鞋面上绣制花鸟图案，这才开创了独具特色的厦门珠绣工艺。
厦门珠绣制作过程分为七步：设计画稿、合布、剪裁、图案转印、绷布、材料准备、图案绣制。
其最大特色在于立体感与光泽，借助凸绣、叠片绣等技法，使图案层层叠加呈浅浮雕效果，珠子和叠片在光线下的折射与反射，令作品晶莹华丽、光彩夺目。
就在不久前，传承人谢丽瑜受《非遗里的中国》节目特邀，携《盛世雍容·牡丹瓶》等珠绣作品亮相中意建交55周年艺术特展，其精湛的针法和光影效果呈现，向世界展示了中华优秀传统文化的独特魅力。
早先，厦门珠绣多用于珠绣拖鞋，在闽南地区尤其用于出嫁的新娘鞋，是独一无二的婚礼用品。
现代厦门珠绣则在载体和工艺上不断创新，不仅延伸到高定礼服、披肩、珠绣包、文创产品等软装与时尚领域，还出现在耳环、饰品等小型单品上。
通过将传统平面的图案转化为立体、可实用的时尚物件，厦门珠绣焕发出更蓬勃的生命力。
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纪录片布达拉宫 时空解码咪咕视频即将上线 罗云熙配音探寻千年文化之源
10月15日，大型人文纪录片《布达拉宫 时空解码》媒体看片会在京举行。该纪录片由民族宗教专家全程参与，咪咕视讯科技有限公司与北京天成嘉华文化传媒有限公司联合出品，将于10月18日起在咪咕视频全网独播。
作为中华文化瑰宝的影像化重构，《布达拉宫 时空解码》以别开生面的方式开启了一场前所未有的沉浸式文化探索之旅，并邀请“HAYA乐团”量身打造片头曲，以多元艺术视角赋能文化表达。
行进式观览千年文化脉络 沉浸式体验罗云熙声情之旅《布达拉宫 时空解码》在延续前作人文底色的基础上，融合创新技术，以全景视野激活了这座文化宫殿的千年记忆。
该片以真实游览路线为叙事脉络解构7个篇章，观众可跟随镜头的脚步，逐一欣赏白宫门庭内承载岁月的珍贵壁画，探寻红宫灵塔的神秘与庄严，更可沉浸在XR虚拟技术还原的历史场景中，亲手“触摸”砖石上的岁月留痕，聆听金顶传来的空灵回响，亲历布达拉宫的前世今生。
为了更加凸显布达拉宫文化基因的魅力，纪录片特别邀请到演员、歌手罗云熙担任旁白配音，其温润而又有力量的声音，将这座文明殿宇流淌了千年的历史故事娓娓道来。
看片会上释放出的首集《初见红山布达拉》，为观众开启了探索雪域宫殿的第一程，从红山脚下启程，途经圆满汇集道，穿越德阳厦广场，最后抵达白宫门庭。
历史的注脚从此处开始，跨越时空的密码也在此处被破解，当想象变为现实，古今历史的连接更加紧密，古老智慧在数字时空中焕发着新生。
伴随着罗云熙细腻质感的旁白，现场观众正视自己的好奇心与探索欲，凝神屏息，似乎已身临其境，走进殿宇深处，与承载千年历史的文物深情对话，感受着这座宫殿的岁月峥嵘与传奇魅力。
XR虚拟技术打破时空壁垒 主创分享幕后攻坚历程解码一座宫殿，激活千年文明。
一部精彩纷呈的作品背后是整个团队对文化精益求精的追求和对技术孜孜不倦的刻苦钻研，该片以突破性的叙事视角和创新技术揭开历史面纱，将开放与未开放区域深度融合，让文化脉搏在虚实交融的叙事场域中尽情跳动。
看片会现场，主创团队积极分享观影感受和背后的创作心得，并就该片的艺术和技术创新，与媒体展开热烈讨论。
作为《布达拉宫 时空解码》的出品方，如何有效地将布达拉宫的故事进行破圈，咪咕相关负责人概括了核心举措，首先是利用技术的创新与升级打破传统纪录片的表现形式，让故事更好看、更有深度;二是寻找与年轻观众的连接点，触达更多元的圈层受众;三是进行渠道联动，依托中国移动资源优势进行曝光的全域覆盖;四是文旅融合，将线上流量转化为线下体验，吸引更多观众切身实地走进布达拉宫。
总导演范得良回忆了制作该部纪录片所遇到的困难时刻，他指出最大的挑战可追溯到制作的初始阶段。
他透露当时团队面临着时间和内容布局的双重压力，一方面需要在有限时间内翻阅浩如烟海的资料，了解布达拉宫复杂的内部结构，另一方面采用真实游览路线作为叙事脉络的这一创新点，既是思路也是束缚。
“如何明确七个篇章的主题，如何合理分配内容比重，使其超越走马观花式的游览，这些都是短周期内的大挑战。
”“所谓的艺术手段，实际上是为了达到观众对内容的理解。
”艺术总监瑶林从艺术风格角度分享了自己的见解，他表示运用新的技术和视听手段传达给观众的首先是认知，其次是理解，再而产生共情，这是该部纪录片在艺术手段上所要达到的效果。
数字化导演李朕在分享中强调了本片技术的里程碑意义，指出该片是国内首次大规模将XR虚拟技术应用于拍摄的纪录片。
为了呈现高精度的写实画面，团队自主研发了智能控制系统，以毫米级操控的方式隐藏开关，同时通过自研算法，用数字资产完成了片头的渲染与制作，并联合国内高校对布达拉宫的壁画进行修复与AI动画生成，最终实现了写实性的视觉还原。
主持人、制片人戴娆表示，在拉萨实地探访近百次的经历，让她对宫殿的整体空间结构产生了“盲人摸象”般的探索欲。
本季创作的核心，正是为了弥补这一视角的缺失。
团队选择以清晰的游览路线为线索，引导观众明确自身在空间与历史节点中的方位，既从建筑学角度解析结构，也兼顾通俗性与实用性，旨在让每位观众都能获得身临其境、深浅皆宜的观看体验。
正是这些被技术复活的文明细节，构成了该片的独特魅力。
如今，这场文化探源之旅即将开始，《布达拉宫 时空解码》将登陆咪咕视频、移动高清和咪视界。
10月18日起，一起走进布达拉宫，在虚实交织的场景中跨越古今，寻觅文化与心灵的自留地。
（本文来源：中国青年网。
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） 10月15日，大型人文纪录片《布达拉宫 时空解码》媒体看片会在京举行。
该纪录片由民族宗教专家全程参与，咪咕视讯科技有限公司与北京天成嘉华文化传媒有限公司联合出品，将于10月18日起在咪咕视频全网独播。
作为中华文化瑰宝的影像化重构，《布达拉宫 时空解码》以别开生面的方式开启了一场前所未有的沉浸式文化探索之旅，并邀请“HAYA乐团”量身打造片头曲，以多元艺术视角赋能文化表达。
行进式观览千年文化脉络 沉浸式体验罗云熙声情之旅《布达拉宫 时空解码》在延续前作人文底色的基础上，融合创新技术，以全景视野激活了这座文化宫殿的千年记忆。
该片以真实游览路线为叙事脉络解构7个篇章，观众可跟随镜头的脚步，逐一欣赏白宫门庭内承载岁月的珍贵壁画，探寻红宫灵塔的神秘与庄严，更可沉浸在XR虚拟技术还原的历史场景中，亲手“触摸”砖石上的岁月留痕，聆听金顶传来的空灵回响，亲历布达拉宫的前世今生。
为了更加凸显布达拉宫文化基因的魅力，纪录片特别邀请到演员、歌手罗云熙担任旁白配音，其温润而又有力量的声音，将这座文明殿宇流淌了千年的历史故事娓娓道来。
看片会上释放出的首集《初见红山布达拉》，为观众开启了探索雪域宫殿的第一程，从红山脚下启程，途经圆满汇集道，穿越德阳厦广场，最后抵达白宫门庭。
历史的注脚从此处开始，跨越时空的密码也在此处被破解，当想象变为现实，古今历史的连接更加紧密，古老智慧在数字时空中焕发着新生。
伴随着罗云熙细腻质感的旁白，现场观众正视自己的好奇心与探索欲，凝神屏息，似乎已身临其境，走进殿宇深处，与承载千年历史的文物深情对话，感受着这座宫殿的岁月峥嵘与传奇魅力。
XR虚拟技术打破时空壁垒 主创分享幕后攻坚历程解码一座宫殿，激活千年文明。
一部精彩纷呈的作品背后是整个团队对文化精益求精的追求和对技术孜孜不倦的刻苦钻研，该片以突破性的叙事视角和创新技术揭开历史面纱，将开放与未开放区域深度融合，让文化脉搏在虚实交融的叙事场域中尽情跳动。
看片会现场，主创团队积极分享观影感受和背后的创作心得，并就该片的艺术和技术创新，与媒体展开热烈讨论。
作为《布达拉宫 时空解码》的出品方，如何有效地将布达拉宫的故事进行破圈，咪咕相关负责人概括了核心举措，首先是利用技术的创新与升级打破传统纪录片的表现形式，让故事更好看、更有深度;二是寻找与年轻观众的连接点，触达更多元的圈层受众;三是进行渠道联动，依托中国移动资源优势进行曝光的全域覆盖;四是文旅融合，将线上流量转化为线下体验，吸引更多观众切身实地走进布达拉宫。
总导演范得良回忆了制作该部纪录片所遇到的困难时刻，他指出最大的挑战可追溯到制作的初始阶段。
他透露当时团队面临着时间和内容布局的双重压力，一方面需要在有限时间内翻阅浩如烟海的资料，了解布达拉宫复杂的内部结构，另一方面采用真实游览路线作为叙事脉络的这一创新点，既是思路也是束缚。
“如何明确七个篇章的主题，如何合理分配内容比重，使其超越走马观花式的游览，这些都是短周期内的大挑战。
”“所谓的艺术手段，实际上是为了达到观众对内容的理解。
”艺术总监瑶林从艺术风格角度分享了自己的见解，他表示运用新的技术和视听手段传达给观众的首先是认知，其次是理解，再而产生共情，这是该部纪录片在艺术手段上所要达到的效果。
数字化导演李朕在分享中强调了本片技术的里程碑意义，指出该片是国内首次大规模将XR虚拟技术应用于拍摄的纪录片。
为了呈现高精度的写实画面，团队自主研发了智能控制系统，以毫米级操控的方式隐藏开关，同时通过自研算法，用数字资产完成了片头的渲染与制作，并联合国内高校对布达拉宫的壁画进行修复与AI动画生成，最终实现了写实性的视觉还原。
主持人、制片人戴娆表示，在拉萨实地探访近百次的经历，让她对宫殿的整体空间结构产生了“盲人摸象”般的探索欲。
本季创作的核心，正是为了弥补这一视角的缺失。
团队选择以清晰的游览路线为线索，引导观众明确自身在空间与历史节点中的方位，既从建筑学角度解析结构，也兼顾通俗性与实用性，旨在让每位观众都能获得身临其境、深浅皆宜的观看体验。
正是这些被技术复活的文明细节，构成了该片的独特魅力。
如今，这场文化探源之旅即将开始，《布达拉宫 时空解码》将登陆咪咕视频、移动高清和咪视界。
10月18日起，一起走进布达拉宫，在虚实交织的场景中跨越古今，寻觅文化与心灵的自留地。
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音乐剧场作品刻在森林的海首演 呈现云南少数民族文化独特风情
10月12日晚，一场将云南深山原始生命力融合跨越时空艺术想象力的演出登上北京舞台。作为第二十八届北京国际音乐节的重磅演出之一，由普利策音乐奖得主、华人作曲家杜韵倾力创作，北京国际音乐节与美国林肯中心联合委约的音乐剧场作品《刻在森林的海》在北京喜剧院世界首演。
来自云南西双版纳的非遗项目基诺族大鼓舞传承人何桂英，带领8位基诺族少年，在舞台上敲响大山里特有的声音。
演出开始前，北京国际音乐节艺术总监邹爽特别颁发了第二十八届北京国际音乐节青年艺术家奖。
今年，该奖颁发给了参演《刻在森林的海》的8位基诺族少年。
演出现场剧情充满童趣与想象力在现代化浪潮的席卷之下，基诺族古老的文化传统与其他许多少数民族文化一样，面临着传承与发展的严峻挑战。
《刻在森林的海》以艺术的形式，回应了这一时代命题。
《刻在森林的海》讲述了一个诗意而充满力量的童话。
一个与奶奶相依为命的基诺族女孩，从小浸润在奶奶讲述的森林与海洋的神奇故事里。
女孩日复一日地帮奶奶养牛、采茶，日常生活是浓郁的基诺风情，而她的内心却装载着一个浩瀚的海洋梦想。
她在一个透明的玻璃鱼缸里，用想象力构筑着属于自己的微缩海洋世界。
《刻在森林的海》的舞台拓展了音乐剧场的边界。
当女孩将写满心事的信纸撒向空中，这些纸张在灯光与音乐的催化下，神奇地幻化为森林中灵动的动物与神秘的海洋鱼群。
舞台上摇头摆尾的大象随心所欲停下来注视人群，游来游去的鱼群肆意追逐打闹，还有叫声不断的鸵鸟和随时可以跳出来的螳螂，这些角色由来自云南的基诺族儿童表演团队生动演绎，他们纯净的表演，为整个故事注入了质朴而鲜活的生命力。
剧中，女孩与她的伙伴们之间的互动，构成了充满童趣与想象力的篇章，《采花舞》《种茶歌》《猎归歌》等歌曲串联着富有少数民族生活气息的舞蹈，让观众得以窥见基诺族文化的独特风情，感受其鲜活的文化脉搏。
“今日的创新造就明日的传统”一向以“跨界”“新锐”著称的作曲家杜韵曾携获得普利策奖的歌剧《天使之骨》登上北京国际音乐节的舞台，此番她再度归来，将中国云南基诺族的非物质文化遗产置于当代艺术的前沿，成功编织了一场传统与未来、森林与海洋的跨时空对话。
“很多人会给我赋予先锋、新锐、跨界等很多标签，实际上我很喜欢传统，其实民间有很多真正在传承的人值得被发现。
”演出前一天，杜韵现身北京畅谈这部作品背后的故事。
2017年，杜韵发起“未来传统”创想计划，越来越多地让自己投身对传统文化的挖掘和再创造。
她带着好奇心去往世界各地，向当地民间艺人、非遗传承人学习，并和他们一起“共创”。
《刻在森林的海》就是在这个背景下诞生的作品。
基诺族是我国人口较少的单一民族，目前仅2万余人。
他们拥有语言却无文字，那些古老的歌谣，就是基诺族的口述史。
在西双版纳，杜韵拜访了基诺族大鼓舞非遗传承人何桂英。
在村寨里，她与何桂英一起，采集当地古老的传说和歌谣，和当地孩子们一起探索他们的历史和文化。
“口述文化不知作曲是谁，因此所有人，包括孩子们都应该是共创人。
”谈及如何将自己采集到的原生态音乐和创作融合在一起，杜韵表示，即兴是在一定的章法里的，“尊重是需要彼此信任的，我们可以让孩子们玩儿起来，在这个过程中去寻找爆发点。
”在杜韵看来，传统和创新并不是对立的，“今日的创新造就明日的传统。
”她认为，作为艺术家需要不断学习和探索，“要承认自己的未知才会探索更多可能性。
”《刻在森林的海》的舞台呈现充满了原生态味道，虽然有些许投影，但道具都带有手作的温度。
谈及如今AI盛行的时代，艺术不可避免地受到科技洪流的影响，杜韵认为：“AI可以用，但是怎么用、用多少，是需要讨论的。
不能为了AI而做AI，相反，有了AI之后更体会到原创艺术家的可贵。
”感受音乐的“刹那永恒感”北京国际音乐节艺术总监邹爽称，这是一部“将中国非遗传承文化带到当代音乐语境合作的作品”，“这不仅是一场音乐表演，更是一次传统与现代、东方与西方的震撼对话。
”邹爽表示，“音乐节今年的主题是‘未来传统·刹那新声’，音乐节一直在关注与当下的衔接，特别想把未来的新音乐和传统链接起来，希望带更多的观众走进音乐节的剧场，感受舞台上音乐留下的‘刹那永恒感’。
”（文/北京青年报记者 田婉婷） 10月12日晚，一场将云南深山原始生命力融合跨越时空艺术想象力的演出登上北京舞台。
作为第二十八届北京国际音乐节的重磅演出之一，由普利策音乐奖得主、华人作曲家杜韵倾力创作，北京国际音乐节与美国林肯中心联合委约的音乐剧场作品《刻在森林的海》在北京喜剧院世界首演。
来自云南西双版纳的非遗项目基诺族大鼓舞传承人何桂英，带领8位基诺族少年，在舞台上敲响大山里特有的声音。
演出开始前，北京国际音乐节艺术总监邹爽特别颁发了第二十八届北京国际音乐节青年艺术家奖。
今年，该奖颁发给了参演《刻在森林的海》的8位基诺族少年。
演出现场剧情充满童趣与想象力在现代化浪潮的席卷之下，基诺族古老的文化传统与其他许多少数民族文化一样，面临着传承与发展的严峻挑战。
《刻在森林的海》以艺术的形式，回应了这一时代命题。
《刻在森林的海》讲述了一个诗意而充满力量的童话。
一个与奶奶相依为命的基诺族女孩，从小浸润在奶奶讲述的森林与海洋的神奇故事里。
女孩日复一日地帮奶奶养牛、采茶，日常生活是浓郁的基诺风情，而她的内心却装载着一个浩瀚的海洋梦想。
她在一个透明的玻璃鱼缸里，用想象力构筑着属于自己的微缩海洋世界。
《刻在森林的海》的舞台拓展了音乐剧场的边界。
当女孩将写满心事的信纸撒向空中，这些纸张在灯光与音乐的催化下，神奇地幻化为森林中灵动的动物与神秘的海洋鱼群。
舞台上摇头摆尾的大象随心所欲停下来注视人群，游来游去的鱼群肆意追逐打闹，还有叫声不断的鸵鸟和随时可以跳出来的螳螂，这些角色由来自云南的基诺族儿童表演团队生动演绎，他们纯净的表演，为整个故事注入了质朴而鲜活的生命力。
剧中，女孩与她的伙伴们之间的互动，构成了充满童趣与想象力的篇章，《采花舞》《种茶歌》《猎归歌》等歌曲串联着富有少数民族生活气息的舞蹈，让观众得以窥见基诺族文化的独特风情，感受其鲜活的文化脉搏。
“今日的创新造就明日的传统”一向以“跨界”“新锐”著称的作曲家杜韵曾携获得普利策奖的歌剧《天使之骨》登上北京国际音乐节的舞台，此番她再度归来，将中国云南基诺族的非物质文化遗产置于当代艺术的前沿，成功编织了一场传统与未来、森林与海洋的跨时空对话。
“很多人会给我赋予先锋、新锐、跨界等很多标签，实际上我很喜欢传统，其实民间有很多真正在传承的人值得被发现。
”演出前一天，杜韵现身北京畅谈这部作品背后的故事。
2017年，杜韵发起“未来传统”创想计划，越来越多地让自己投身对传统文化的挖掘和再创造。
她带着好奇心去往世界各地，向当地民间艺人、非遗传承人学习，并和他们一起“共创”。
《刻在森林的海》就是在这个背景下诞生的作品。
基诺族是我国人口较少的单一民族，目前仅2万余人。
他们拥有语言却无文字，那些古老的歌谣，就是基诺族的口述史。
在西双版纳，杜韵拜访了基诺族大鼓舞非遗传承人何桂英。
在村寨里，她与何桂英一起，采集当地古老的传说和歌谣，和当地孩子们一起探索他们的历史和文化。
“口述文化不知作曲是谁，因此所有人，包括孩子们都应该是共创人。
”谈及如何将自己采集到的原生态音乐和创作融合在一起，杜韵表示，即兴是在一定的章法里的，“尊重是需要彼此信任的，我们可以让孩子们玩儿起来，在这个过程中去寻找爆发点。
”在杜韵看来，传统和创新并不是对立的，“今日的创新造就明日的传统。
”她认为，作为艺术家需要不断学习和探索，“要承认自己的未知才会探索更多可能性。
”《刻在森林的海》的舞台呈现充满了原生态味道，虽然有些许投影，但道具都带有手作的温度。
谈及如今AI盛行的时代，艺术不可避免地受到科技洪流的影响，杜韵认为：“AI可以用，但是怎么用、用多少，是需要讨论的。
不能为了AI而做AI，相反，有了AI之后更体会到原创艺术家的可贵。
”感受音乐的“刹那永恒感”北京国际音乐节艺术总监邹爽称，这是一部“将中国非遗传承文化带到当代音乐语境合作的作品”，“这不仅是一场音乐表演，更是一次传统与现代、东方与西方的震撼对话。
”邹爽表示，“音乐节今年的主题是‘未来传统·刹那新声’，音乐节一直在关注与当下的衔接，特别想把未来的新音乐和传统链接起来，希望带更多的观众走进音乐节的剧场，感受舞台上音乐留下的‘刹那永恒感’。
”（文/北京青年报记者 田婉婷）